Os 5 melhores filmes de Clint Eastwood, segundo o Rotten Tomatoes

É quase impossível definir o legado artístico de seis décadas que Clint Eastwood mapeou meticulosamente, já que sua extensa filmografia inclui tudo, desde clássicos certificados até joias esquecidas. Claro, nenhum artista pode ter uma carreira impecavelmente perfeita, mas alguns, como Eastwood, chegam muito perto desse ideal ao redefinir gêneros inteiros que sempre terão um lugar na história cinematográfica. Nem todo bom filme que Eastwood dirigiu ou estrelou fez muito dinheiro nas bilheterias, mas o sucesso artístico não pode ser medido somente por métricas tão estreitas, já que seu nome está embutido na consciência pública, para o bem ou para o mal.

É tentador dissecar a arte de Eastwood puramente através do gênero Western — obras como “Por um Punhado de Dólares” ou “The Outlaw Josey Wales” captura suas contribuições sucintamente — mas há muito mais nele do que um sotaque arrastado ou um tiroteio descontraído. O ator frequentemente se sente atraído por histórias que exploram as profundezas da conexão humana, como seu papel em “The Bridges of Madison County”, onde o fotógrafo (e solitário) Robert Kincaid experimenta a terna amargura de um amor não realizado. Há também filmes mais corajosos e sombrios como “Tightrope”, onde ele assume o papel do detetive Wes Block, que inadvertidamente se envolve em um caso de assassinato e abuso que ele deveria resolver, o que o leva a dar um passo para trás e olhar para as profundezas de sua própria alma.

Eastwood interpretou tanto figuras de heróis rebeldes quanto anti-heróis que vale a pena torcer, introduzindo uma vantagem para cada personagem que vale a pena investigar. Embora a amplitude dos talentos de Eastwood não possa ser quantificada por meio de listas ou classificações, aqui estão os 5 melhores filmes de Clint Eastwood de acordo com o Rotten Tomatoes.

O início da trilogia “Dollars” de Leone foi alimentado pela necessidade de prestar homenagem ao estelar e imaculado “Yojimbo” de Akira Kurosawa, filtrado pelas lentes de um faroeste spaghetti com um protagonista carismático. Eastwood foi uma escolha não convencional na época, como ele ainda não tinha experimentado o estrelatomas Os instintos de Leone estavam certos com um “Fistful of Dollars”, que subverte as expectativas tradicionais do gênero, ao mesmo tempo em que adere à ideia fundamental dele. O Homem Sem Nome imediatamente impressiona com sua necessidade de tirar o máximo proveito do caos, onde ele promete seus serviços como um pistoleiro contratado para facções em guerra por uma motivação tão antiga quanto o tempo: lucros monetários dobrados.

Não há escassez de espetáculo aqui, repleto de close-ups megadramáticos que Leone abraça sem restrições, mas eles contribuem para aumentar as tensões antes de um tiroteio ou sublinhar as motivações dos personagens que podem se perder em meio à violência. A transição que Joe, nosso pistoleiro contratado, passa não é nenhuma novidade, mas é emocionante ver o personagem de Eastwood se livrar da apatia enraizada que sua profissão exige e avançar em direção a uma perspectiva mais compassiva. A referência direta a uma cena em “Yojimbo”, onde o samurai empunhando uma espada derrota um homem com uma arma, ganha uma reviravolta inteligente quando Joe sobrevive a um tiro de rifle bloqueando-o com uma placa de ferro sob suas vestes.

Embora seja difícil eclipsar a paisagem sonora dissonante de Masaru Sato que impulsiona o clássico de Kurosawa, Ennio Morricone chega perto com seu próprio talento sonoro. O filme está atualmente em 98% no Rotten Tomatoeso que ele realmente merece.

A entrada final da Trilogia “Dólares” de Sergio Leone é inesquecível, atuando como um ponto culminante para “O Homem Sem Nome” de Eastwood que lançou o ator-diretor no sucesso mainstream. O próprio conceito de um faroeste spaghetti é dissecado e reorganizado aqui, onde bússolas morais vêm para definir os personagens no centro. Contra o caçador de recompensas de Eastwood, Blondie (“The Good”), está o assassino implacável de Lee Van Cleef (“The Bad”), e o cruel e grosseiro Tuco de Eli Wallach (“The Ugly”). A moralidade distinta dos três homens dita como eles se fazem conhecidos, servidos com um estilo distinto que influenciaria o gênero faroeste nos anos seguintes.

O enredo aqui é bem direto: os três pistoleiros estão competindo para colocar as mãos em US$ 200.000 em ouro confederado roubado, o que é uma jornada marcada por parcerias inesperadas e traições repentinas. O relacionamento deles pode ser classificado como contencioso, mas todos eles matam em movimento, e o senso de “bondade” de Blondie depende do princípio de “quem atacou primeiro”, onde sua violência é contextualizada como uma reação a uma tentativa contra sua vida e personalidade. Há um toque de absurdo nessa experiência, uma propensão a mergulhar em excessos, mas é exatamente isso que faz “The Good, The Bad and The Ugly” ganhar vida de uma forma tão singular, com a trilha sonora urgente de Ennio Morricone fechando o círculo. O filme Pontuação de 97% no Rotten Tomatoes parece certo. Coisa boa.

O veterano agente do serviço secreto Frank Horrigan é um homem assombrado. Ainda excessivamente crítico de seus fracassos durante o assassinato de John F. Kennedy há cerca de 30 anos, a situação de Horrigan piora quando um assassino conivente e assustador — que atende por Booth (John Malkovich), entre outros pseudônimos — o provoca com ameaças de matar o atual presidente. O que se segue é um jogo louco e imprevisível com apostas elevadas, desencadeando-se na forma de um thriller altamente envolvente cujo brilho depende das tensões crescentes entre um herói desesperado para evitar erros do passado e um vilão que prospera na devastação e na miséria.

Grande parte dos elogios que “Na Linha de Fogo” merece deve ser direcionada à direção magistral e tensa de Wolfgang Petersen, onde as emoções andam de mãos dadas com a profundidade do personagem, criando um quadro maior e envolvente. Há uma sensação palpável de perigo nas missões e atribuições que Horrigan e seu parceiro Al D’Andrea (Dylan McDermott) são vistos enfrentando e a aparição de um assassino desequilibrado estabelece a base para que os eventos se transformem em caos. Malkovich incorpora seu personagem aos extremos mais desagradáveis, interpretando um papel tão viscoso e cruel que muitas vezes é difícil imaginar Horrigan vencendo alguém tão completamente maligno.

Além disso, nem todo momento é mergulhado em tons tão terríveis, já que a agente Lilly Raines de Rene Russo ajuda a equilibrar a perspectiva sempre cautelosa de Horrigan com um romance que não parece fora do lugar. O filme atualmente ostenta um 96% no Tomatômetroe se você ainda não deu uma olhada, eu sinceramente recomendo que você faça isso.

Este melodrama de boxe dirigido por Eastwood é mais do que apenas sobre o esporte; se alguma coisa, o boxe é empregado como uma metáfora para as labutas da existência como um azarão. Maggie (Hilary Swank), de 32 anos, é uma trabalhadora de serviço que luta para sobreviver e aspira ser mais: uma campeã de boxe, mas para fazer isso, ela precisa convencer Frankie Dunn (Eastwood) a treiná-la. Dunn é tudo menos calorosa com ela no início, mas um Eddie Dupris (Morgan Freeman) muito convincente faz isso acontecer, marcando o início de uma jornada ao mesmo tempo emocionante e de partir o coração. Há uma sensação de desespero autêntico e motivação embutida na história de Maggie, que transborda de empoderamento esperançoso na maior parte, mas no final termina com uma nota incrivelmente sombria e deprimente que evoca emoções complicadas.

Há aspectos nessa narrativa que podem parecer datados ou problemáticos quando submetidos além da análise superficial, mas é uma exploração direta e tradicional do sonho americano, seu fascínio e armadilhas, e como a redenção geralmente tem um preço alto. Eastwood traz profundidade a Dunn, suavizando as arestas irregulares do ex-treinador de boxe ao longo de seu arco, com um Swank brilhante para fundamentar os aspectos mais açucarados desse clássico comovente. “Menina de Ouro” ostenta 90% no Tomatômetroe caso você queira equilibrar os excessos emocionais desta entrada, a comédia policial de 1974, “Thunderbolt and Lightfoot” — onde uma combinação inesquecível de Eastwood e Jeff Bridges dá vida a travessuras excêntricas e malucas — certamente resolverá o problema.

Outro sucesso comandado por Eastwood“Unforgiven” de 1992 foca em dois grupos de pistoleiros esperando coletar uma recompensa por um assassinato em Big Whiskey, Wyoming. Entre eles está um William Munny (Eastwood), alguém que “matou mulheres, crianças… e quase tudo que anda ou rasteja em um momento ou outro.” No entanto, a crueldade indiscriminada de Munny diminuiu com o tempo, e ele é um homem de família agora, que embarca nesta busca final com seu amigo de confiança Ned Logan (Morgan Freeman) ao seu lado. O grupo rival, liderado por English Bob (Richard Harris), entra em choque com o seu próprio, reacendendo os instintos vingativos de Munny, que parecem ter sido enterrados sob camadas de redenção esperançosa e o conforto da felicidade doméstica.

Seria insincero usar o termo “obra-prima” com tanta frequência, mas o western de Eastwood faz incorporam todos os qualificadores para o termo: é uma fatia mordaz, intransigente e profunda do gênero que não se preocupa em romantizar seus aspectos desagradáveis. “Eu sou apenas um sujeito agora. Eu não sou diferente de ninguém mais,” Munny afirma em referência ao seu passado sangrento e monótono presente, mas o destino tem outros planos quando seu querido amigo Ned precisa ser vingado. É também uma experiência visualmente deslumbrante que é repleta de performances de destaque, enquanto o final do filme levanta questões pertinentes sobre a relação nociva entre violência, masculinidade e expectativas em torno do perdão. O filme atualmente detém um Classificação de 96% no Rotten Tomatoes.